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Interview mit Lucas Singer

„Wenn jemand die Loewe-Balladen am Leben halten kann, dann sind es vielleicht wir Bässe.“ – Interview mit Lucas Singer 

 

Herr Singer, Sie haben zuletzt im April 2019 an der Oper Köln bei Walter Braunfels’ Heiliger Johanna mitgewirkt, die gleich auf mehreren Ebenen eine Parabel über Widerstand und Selbstzweifel ist. Wie gelingt danach der Umstieg in die Romantik der Liedwelt?

Lucas Singer: Für uns Opernsänger ist es ja völlig normal, zwischen den Epochen und Stilen zu springen. Das gehört zum Alltag dazu. Es ist täglich Brot, dass man flexibel bleibt. An der Oper Köln spielen wir zwar momentan durch das Interim bedingt ensuite, aber an den meisten deutschen Stadt- oder Staatstheatern kann es durchaus passieren, dass man an einem Abend eine Händel-Oper singt, am nächsten Tag die Zauberflöte und am Tag drauf vielleicht Wagner. Da muss man einen Weg für sich finden. Die Stile muss man sich aneignen und danach auch wach halten. Natürlich gibt es Spezialisten, die sich beispielsweise verstärkt auf das barocke Repertoire verlegen, oder auf die Romantik. Aber das kann man sich als Ensemble-Mitglied eines solchen Theaters nicht immer leisten. Allerdings ist das auch etwas, das großen Spaß macht. Ich genieße es sehr, einen Abend dies zu machen und den nächsten etwas ganz unterschiedliches.

Es ist also eher Freude als Herausforderung?

Lucas Singer: Schon eine Kombination aus beidem. Ich singe ja auch viele Konzerte im Oratorienfach und ähnlichem, und das ist natürlich wieder etwas ganz anderes. Es kann sein, dass sonntags morgens eine Bach-Kantate ansteht und abends dann Parsifal. Aber das eine bedingt ja zum Teil auch das andere. Ich genieße es jedenfalls, das Breitgefächerte machen zu können. Das mag nicht jeder, das weiß ich. Ich schon.

Erklärt sich so auch die Programmauswahl für die Loewe-Matinée?

Lucas Singer: Die Loewe-Balladen sind im Grunde kleine Mini-Opern. Denen schadet es nicht, wenn man da mit etwas opernhaftem Gestus reingeht. Bei Schubert ist es anders, aber ich würde sagen, das lässt sich gut vereinbaren.

Gibt es denn bei aller Liebe zum großen Repertoire so etwas wie Favoriten?

Lucas Singer: Die deutsche Romantik und Spätromantik – das ist ein Stil, den ich sehr mag. Strauß und Wagner, das ist fantastische Musik. Aber auch in der Symphonik: Bruckner und Mahler. Für mich ist das Musik zum Reinlegen und Eintauchen. In einen Wagner-Ring kann man sich richtig versenken. Das liegt mir sehr. Aber ich mag auch die italienische Romantik: Verdi, Puccini. Das singe ich sehr gerne. Mozart-Opern sind auch fantastisch. Als ich noch Klavier studiert habe, habe ich auch Debussy sehr gerne gespielt. Brahms, Bach… Ich liebe die Bach-Passionen. Je länger ich darüber nachdenke: Es fällt mir schwer, mich festzulegen.

Ich liebe Schubert. Leider gibt’s von Schubert nicht viel für die Oper. Oder Gott-sei-Dank – ich weiß es nicht (lacht). Aber Schubert instrumental, das ist fantastisch; die Klaviermusik finde ich unglaublich toll. Und die Lieder sowieso.

Was ist es, was Sie sich versenken lässt?

Lucas Singer: Wenn ich an die Oper denke, ist es die Üppigkeit, das Überbordende, was vielleicht manchmal auch ein bisschen kitschig sein mag. Was mir bei Verdi und Wagner in den Sinn kommt, sind diese riesig instrumentierten Szenen und die langen musikalischen Bögen. Das sind wirklich Welten, in die man eintauchen kann. Auf der anderen Seite ist es auch das Gefühlsbetonte, wobei das interessanterweise bei den Liedern, die ich für unsere Matinée von Schubert ausgewählt habe, nicht so im Vordergrund steht. Bei Loewe ist es eher das Balladenhafte, das vielleicht auch nicht so sehr auf eine gefühlsmäßige Innenwelt zielt.

Was charakterisiert denn die Stücke, die bei der Loewe-Schubert-Matinée auf dem Programm stehen? Ist es das Drama?

Lucas Singer: Was bei beiden, also Loewe und Schubert, in unserem Programm Thema ist, sind die „Grenzen der Menschheit“. So auch der Titel eines der Schubert-Lieder und des Programms vom 9.6.2019. Es geht um die Zwischenwelt, die Schnittstelle zwischen Diesseits und Jenseits, da wo die irdische Welt immer wieder verhandelt wird.

Bei Loewe ist es oft ein bisschen wie beim Tatort. Es hat etwas vom Krimi. Ewig lang gibt es diese ungeklärte Situation, der Krimi spitzt sich zu und dann kommt am Ende in den letzten zwei Takten die Auflösung oder einer ist plötzlich tot. Die Romantik hat eben auch dieses Erzählerische. Das finde ich sehr spannend.

Steht das Programm schon? Können Sie schon verraten, welche Lieder dabei sein werden?

Lucas Singer: „Grenzen der Menschheit“ auf jeden Fall. Schuberts „Sehnsucht“, und eines seiner „Abendrot“-Lieder. Wir überlegen außerdem, die „Fahrt zum Hades“ reinzunehmen. Ein sehr lustig-makaberes Lied ist das „Totengräberlied“: quasi eine Dankes-Ode des Totengräbers an seinen Spaten, der ihm den Lebensunterhalt ermöglicht. Ich weiß aber noch nicht, ob es reinkommt. Dann gibt es „Auf der Donau“, wo der Schiffer mit seinen Gedanken in eine Zwischenwelt abdriftet. Beim Erlkönig sind wir noch nicht hundertprozentig sicher – wahrscheinlich wird es nicht der Schubert, sondern der Loewe. Der würde natürlich super passen. Aber es besteht immer die Gefahr, dass man nur die Bekannten nimmt. Wahrscheinlich machen wir auch den „Nöck“.

Diese Loewe-Balladen, das ist ein Universum. Da gibt es soviel zu entdecken. Es gibt sehr viel Material. Ich fürchte, nicht alles, was ich gerne machen möchte, passt rein. Ich habe aber ein paar Lieder ganz neu für mich entdeckt. „Tod und Tödin“, zum Beispiel, wo es darum geht, wie der Tod und seine Frau ihren Alltag gestalten. Das ist eine ganz süße Miniatur, ein super Stück. Leider wird Loewe nicht mehr so viel gespielt. Darum dachte ich mir: Zum 150. Todestag, da kann man noch mal gezielt viel Loewe machen.

Haben Sie eine Idee, warum Balladen generell weniger populär geworden sind?

Lucas Singer: Ich glaube, das liegt daran, dass da so wenig Raum für Interpretation auf verschiedenen textlichen Ebenen ist, weil die Ballade im Grunde einfach eine Erzählung ist. Das, was gesagt werden soll, wird gesagt. Und die Gefahr ist, dass man das vielleicht manchmal Kitschige darin, das nicht so unglaublich Doppelbödige, als einfach abstuft. Aber ich habe das Gefühl, dass das, wenn man sie ernst nimmt, durchaus unterhaltend sein kann. Es gibt schon etwas nachzudenken, und auch mitunter den Fingerzeig. Vielleicht ist die Gefahr: dass es auf den ersten Blick zu simpel wirkt und zu kitschig. Loewe kann durchaus auch etwas hausbacken wirken. Vielleicht sind wir Bässe auch etwas einfach gestrickt (lacht). Aber ich finde, gerade für die Bässe gibt es da sehr dankbare Sachen. Ich habe ja viel mit Kurt Moll gearbeitet, der die Loewe-Balladen sehr geliebt hat. Und wenn jemand die Loewe-Balladen am Leben halten kann, dann sind es vielleicht traditionell wir Bässe.

Sie sprachen von der technischen Ebene, über die Sie sich die Breite an Repertoire erhalten. Gibt es daneben noch andere Wege für Sie, sich auf diese Welt einzustimmen?

Lucas Singer: Wenn ich von der Oper ausgehe, sind es die Rollen, die sich anbieten; dass man sich da reingibt. Technisch ist es wie bei einem Instrumentalisten auch. Ein Geiger muss seinen Bogen bei einem Barockstück anders führen als bei einem romantischen. Das ist bei uns ähnlich. Je weiter es in die Moderne geht, wird es mehr Sprechgesang, zum Beispiel. Auf der inhaltlichen Ebene geht es über die Rollen und natürlich über den Text. Das ist der Vorteil eines Sängers, dass er den Text hat, der Vorgaben macht. Da ist das Fahrwasser schon in eine Richtung geklärt.

Das bringt mich zu einer anderen wichtigen Frage: Was hat Sie denn bewogen, vom Klavier zum Gesang zu wechseln?

Lucas SInger: Gute Frage. Weniger Üben! (lacht) Aber im Ernst: Ich komme aus einer Sängerfamilie und habe mich zuerst auf ein anderes Feld verlegt – wohl, weil das zuhause schon belegt war. Ich habe lange nicht gesungen. Aber irgendwann hat es mich doch wieder eingeholt. Im Klavierstudium hatte ich Pflichtfach Gesang, musste also singen. Darüber bin ich langsam wieder dazu gekommen. Es hat mir dann immer mehr Spaß gemacht und irgendwann hat’s mich dann doch gepackt. Und ich dachte mir: Probier’s doch einfach aus. Dann habe ich die Aufnahmeprüfung in Köln bestanden, und es ist immer so weiter gegangen. Parallel habe ich noch Kunst- und Kulturmanagement studiert, weil ich eigentlich gar nicht so sehr in die ausübende Richtung gehen wollte.

Aber das Singen hat schleichend immer mehr Raum eingenommen. Wenn man sich dann doch intensiv mit der Sache auseinandersetzt, packt es einen. Als ich den Studienplatz bekam, dachte ich: Jetzt versuchst du es auch. Zuerst habe ich dann noch nebenbei Klavier unterrichtet, aber irgendwann war klar: Das Singen war raumgreifend geworden. Als ich dann ins Opernstudio Köln kam, war klar: Ich muss mich jetzt auf diese eine Sache konzentrieren.

Nichtsdestotrotz spiele ich natürlich viel Klavier, um meine Stücke einzustudieren oder um Stücke kennenzulernen. Das ist mein Vorteil: dass ich mir vieles selbst aneignen kann, wofür ich sonst einen Repetitor bräuchte. Insofern ist das Klavier schon immer noch dabei, aber ich gehe nicht mehr auf die Bühne damit. Und da komme ich zu dem, was ich zuerst sagte: Klavier braucht Minimum vier bis fünf Stunden Üben am Tag. Die habe ich einfach nicht mehr zur Verfügung.

Sie haben ja dafür nun mit Elnara Ismailova eine versierte und viel gepriesene Liedbegleiterin an ihrer Seite.

Lucas Singer: Genau. Wir arbeiten schon seit Jahren zusammen. Sie war meine Repetitorin in der Hochschule und auch in verschiedenen Meisterkursen. Wir kannten uns schon vor meinem Studium und haben uns dann an der Hochschule wieder getroffen, in Essen und in Köln. In letzter Zeit kommen wir leider nicht mehr so viel dazu, etwas zusammen zu machen, weil die Oper doch sehr raumgreifend ist und viel Zeit in Anspruch nimmt. Umso mehr freut es mich, dass wir jetzt dieses schöne Programm miteinander musizieren werden.

Wie viel Zeit widmen Sie dem Singen täglich?

Lucas Singer: Das ist unterschiedlich. Wenn ich morgens Probe an der Oper habe und abends eine weitere Probe oder Vorstellung, sehe ich zu, dass ich dazwischen Ruhe habe. Je mehr Oper ich singe, umso mehr merke ich, dass die Stimme zwischendurch Erholung braucht. An meinen freien Tagen versuche ich aber schon, mich Minimum zwei bis drei Stunden mit der Sache zu beschäftigen. Das kann Notenlesen sein, Technikübungen, Textlernen; das ist wie Fingerübungen am Klavier. Aber natürlich gibt es auch Tage, wo ich mich vier bis fünf Stunden einschließe, um meine Sachen zu lernen. Dann singe ich aber nicht die ganze Zeit.

Sie sind jetzt 36 Jahre alt. Wie sehen Sie Ihre Zukunft – was kann und soll noch kommen?

Lucas Singer: Ich genieße es momentan sehr, in Köln meinen Hauptsitz zu haben und fest am Haus zu sein. Die Perspektive ist aber sicher, dass man mehr und mehr freischaffend macht. Das ist die klassische Laufbahn. Aber ich glaube, ein Stammhaus würde ich gerne behalten. Die Verbundenheit zu einem Ort, die gibt mir viel. Ich glaube, ich brauche immer zumindest so etwas wie eine Teilbasis. Und ich genieße es sehr, dass das momentan die Oper Köln ist, in dieser schönen Stadt.

Zum Schluss die vielleicht wichtigste aller Fragen: Was bedeutet es Ihnen, ein Sänger zu sein?

Lucas Singer: Das Klischee – aber auch die Wahrheit – ist, dass man sein eigenes Instrument ist. Dass es eine andere Stufe von Erleben ist, wenn man selbst den Klang produziert, als wenn es über ein Medium wie ein Instrument passiert. In Kombination mit dem schauspielerischen Aspekt, also in eine Rolle zu schlüpfen – das ist noch mal eine ganz andere Ebene. Sie haben immer diese drei Faktoren: Sie müssen Künstler, Instrument und Rolle sein. Diese Kombination macht es kompliziert, aber auch total spannend. Und sehr erfüllend.

 

Das Interview führte Christiane Nitsche.

© Photo: Lucas Singer |  www.lucassinger.com

Interview mit Konstantin Paganetti

„Das Lied ist für mich eine der schönsten und natürlichsten Arten mit Menschen in Kontakt zu treten.“ – Interview mit Konstantin Paganetti

 

Konstantin Paganetti ist 23 Jahre alt und studiert an der Hochschule für Musik und Tanz in Köln Gesang. Am 8. Mai 2019 ist der Bariton in einer Jacques Offenbach Revue im Kölner Domforum zu hören, die im Rahmen des Liedsommer 2019 geplant wurde. Im Interview erzählt er von seinen ersten musikalischen Berührungspunkten und was das Lied für ihn bedeutet.

Der Bariton Konstantin Paganetti wuchs in einem musikalisch geprägten Elternhaus in Neuwied am Rhein auf. Der 23-Jährige studiert seit 2015 an der Hochschule für Musik und Tanz in Köln Gesang bei Christoph Prégardien. Paganetti ist gefragter Solist und Ensemblesänger und verbrachte bereits Zeit bei Chorproben und Gesangstunden, bevor er sprechen konnte.

„Meine Eltern sind Kirchenmusiker und haben viel für Alte Musik übrig. Schon als Kind wurde ich von ihnen an das Kunstlied herangeführt“, erzählt er. Der musikalische Geist der historischen Aufführungspraxis liegt Konstantin besonders am Herzen. Nachdem er in den Kinderchören seiner Mutter gesungen hatte, wirkte er in der Kantorei St. Matthias Neuwied mit. Weitere musikalische Impulse erhielt er vor allem von seinem Vater im Kammerchor Neuwied, aber auch im Landesjugendchor Rheinland-Pfalz und im Kölner Kammerchor von Peter Neumann.

Mit der Zeit entwickelte Paganetti ebenfalls ein großes Interesse für historische und moderne Tasteninstrumente. Regelmäßig setzt er in Liederabenden auch seinen Hammerflügel als Begleitinstrument ein. Vor allem die außergewöhnlichen Klangfarben der alten Instrumente reizen ihn sehr. „Besonders spannend wird es, wenn man in einem Konzert beispielsweise Mozart-, Haydn- und Beethoven-Lieder auf einem Instrument der Wiener Klassik und romantische Kunstlieder auf einem modernen Konzertflügel präsentieren kann. Das ist zwar sowohl für mich als Sänger, als auch für den Pianisten eine große Herausforderung – für das Publikum aber eine willkommene klangliche Abwechslung und Differenzierung. Wir dürfen da nie aufhören neue Wege zu gehen“, findet der Sänger.

Neben Cello- und Klavierunterricht begann er vor zehn Jahren Gesangsunterricht bei seinen Eltern zu nehmen. Mittlerweile studiert er an der Kölner Musikhochschule Gesang und freut sich, die künstlerische Ausbildung mit all ihren praktischen Einheiten und dem individuellen Einzelunterricht dort genießen zu dürfen. „Wir haben in den letzten Semestern des Bachelors viele Möglichkeiten und Freiheiten.“ Konstantin Paganetti wird voraussichtlich 2020 seinen Bachelor beenden. Wo er sein Studium im Master weiterführen wird, steht noch nicht fest.

Kammermusik in Reinform

Klar ist jedoch, dass er sich auch in Zukunft intensiv mit der Gattung Kunstlied beschäftigen wird. „Das Lied trifft den Menschen ganz unmittelbar und wenn man sich als Zuhörer nicht komplett verschließt, können wir Künstler zusammen mit dem Publikum neue Welten entdecken. Dann berühren uns die Lieder auf intensive Weise“, sagt der 23-Jährige. Für ihn ist das Lied „Kammermusik in Reinform“ und „eine der schönsten und natürlichsten Arten mit Menschen in Kontakt zu treten und zu kommunizieren“. Durch das Lied könne man sich auf unterschiedlichste Weise verwirklichen. Sowohl die Beschäftigung mit den Liedtexten, als auch das Erarbeiten großer Liedzyklen sei stets eine erfüllende Herausforderung. „Ich frage mich dann immer was mit dem lyrischen und erzählenden Ich passiert, möchte den Text durchdringen verstehen, bevor ich ihn selbst interpretiere“, sagt Paganetti.

Einen Zugang müsse man selbst finden, ob durch den Text oder die Musik. Eine große Ehre sei für ihn die künstlerische Zusammenarbeit mit anderen Liedgrößen wie den Pianisten Michael Gees und Christoph Schnackertz, mit denen er 2018 erstmalig zusammen Liederabende gestaltete. Als weitere musikalische Höhepunkte beschreibt er seine Aufführungen der Winterreise von Franz Schubert zusammen mit dem Pianisten Eric Schneider im Jahr 2017.

Konzert mit Eric Schneider

„In den letzten fünf Jahrhunderten europäischer Musikgeschichte wurde unfassbar viel gute Musik geschrieben, ich entdecke immer wieder Neues.“ Die Musik und die Beschäftigung mit Liedern habe ihm durch unterschiedliche Lebensphasen geholfen. „Die Musik gehört zu den wenigen Dingen des Lebens, die einen nie im Stich lassen und immer für einen da sind. Das ist schon ein ganz großer Luxus.“

In neue Charaktere schlüpfen

Am 8. Mai 2019 wird es im Kölner Domforum die Premiere einer Jacques Offenbach Revue geben. Gemeinsam mit Schauspielern wird der Abend kammermusikalisch inszeniert und bringt die Charaktere lebhaft in eine ganz neue Operette auf die Bühne. „Auf Stichwort schlüpfen wir in unterschiedlichste Rollen“, verrät Paganetti.

Neben dem Lernen für die Hochschule und neuem Repertoire sowie Proben seien auch Auszeiten wichtig. „Da aber alles viel Freude macht und genau das ist, was ich machen möchte, investiere ich gerne meine Zeit“, so der Bariton. Der Kontakt mit Kollegen und die vielfältigen Möglichkeiten und Arbeitsfelder als Lied- und Konzertsänger machen für ihn den Reiz seiner Arbeit aus. „Meine Eltern haben mich zum Glück immer auf meinem Weg unterstützt.“

In Zukunft möchte sich der 23-Jährige auch weiterhin mit dem Lied auseinandersetzen: „Es ist privat und unmittelbar, möchte Menschen berühren und Welten entdecken“.

Das Interview führte Elena Sebening am 13. März 2019.

 

© Photo: Liedwelt Rheinland | Michael Wegener

Interview mit Liedduo Heinzen-Mead

„Die Miniatur-Spektren eines jeden Liedes, die Direktheit zum Publikum sind für uns eine unglaubliche Bereicherung“

Interview mit Franziska Heinzen und Benjamin Mead

„Die Miniatur-Spektren eines jeden Liedes, die Direktheit zum Publikum sind für uns eine unglaubliche Bereicherung“ – Heike Paulsen sprach für die Liedwelt Rheinland mit den Liedduo Heinzen-Mead.

An diesem windigen Rosenmontag habe ich das Glück, gleich zwei außerordentliche junge Künstler in einem ihrer Stammcafés in Düsseldorf zu treffen: Franziska Heinzen und Benjamin Mead. Anlässe sind zahlreiche vorhanden – zum einen das April-Konzert der Reihe „Im Zentrum Lied“ in Köln mit dem die Liedwelt Rheinland auch den diesjährigen Liedsommer eröffnet und zum zweiten der geplanten Konzerte zu Clara Schumanns 200tem Geburtstag.

„Klangspektren“ widmet sich dem modernen und zeitgenössischem Liedgut. Worauf können wir uns an diesem 24. April in Köln freuen?

Wir haben ein Programm zusammengestellt, das seinen äußeren Rahmen durch den Schwerpunkt auf das Liedgut des 20. und 21. Jahrhunderts erhält. Dieses – eher ungewohnte – Repertoire soll keinesfalls abschrecken, sondern vielmehr neugierig machen: Denn sprechen wir einerseits von Komponisten, die wie Arnold Schönberg und Richard Strauss noch die Höhen und Tiefen der Tonalität in ihrem gesamten Spektrum ausloteten, andererseits von unseren Zeitgenossen Manuela Kerer, Moritz Eggert, Alexander Muno und Wolfgang Rihm, die hundert Jahre danach das Kunstlied in der klassischen Kombination von Klavier und Gesang immer noch weiterentwickeln.

Das klingt ungemein interessant! Wie kam es zu diesem Projekt?

Unser Preis als Sieger des internationalen Liedduowettbewerbs Lied&Lyrik Rhein-Ruhr 2017 in Ratingen war mit einer Einladung in die Konzertreihe „Im Zentrum Lied“ verbunden und mit der schönen Auflage seitens der künstlerischen Leiterin Ingrid Schmidthüsen, genau solch einen spannenden Liederabend zusammenzustellen. Wir haben so die Möglichkeit genutzt, Lied-Zyklen, die uns schon länger begleiten, wie die Ophelia-Lieder von Wolfgang Rihm und Richard Strauss mit anderen, speziell für dieses Projekt ausgesuchten Stücken zu verbinden, wie beispielsweise die 4 Cleopatra-Charakteren von Alexander Muno.

Uns erwartet mehrheitlich Shakespeare?

Nicht so sehr Shakespeare, sondern die starken Frauengestalten, denen er und auch andere Dichter künstlerische Denkmäler gesetzt haben: Das Lied eröffnet ja in ganz intimer Weise die Möglichkeit, Emotionen zu verdichten und auszudrücken, und wir möchten das Publikum auf diese ganz besondere Reise durch die Jahrhunderte mitnehmen und das Spektrum der inneren menschlichen Erlebenswelten ausloten.

Es ist bei weitem nicht Ihr erstes gemeinsames Projekt?

Nein, seit wir vor etwa fünf Jahren erstmals zusammen musiziert haben – damals noch als Studierende an der Düsseldorfer Robert Schumann Hochschule – haben wir sehr viel und unterschiedliches Repertoire zusammen erarbeitet sowie mit Konzertkonzeptionen experimentiert. Aus dieser Zeit stammt auch die Zuneigung zur literarischen Frauengestalt der Mignon aus Goethes Wilhelm Meister, der wir am Konzertabend – allerdings in der Schubert Vertonung – ein Denkmal setzen werden. In den vergangenen Jahren ist zwischen uns eine künstlerische Verbundenheit erwachsen, die in der Form nicht selbstverständlich ist: Es muss gerade in der Kammermusik, beziehungsweise im Liedduo zwischenmenschlich, musikalisch, aber auch in der Vorstellung, wie viel Zeit dafür investiert wird, übereinstimmen. Die Liedkunst bietet gerade neben Oratorien oder Opern eine individuelle Gestaltungsfreiheit; die Miniatur-Spektren eines jeden Liedes, die Direktheit zum Publikum sind eine unglaubliche Bereicherung. Und natürlich freuen wir uns, dass unser Musizieren und unsere Programmation Anklang findet: Beim Rhonefestival in der Schweiz und auch beim Schumannfest Düsseldorf in Zusammenarbeit mit dem Liedsommer Rheinland dürfen wir dieses Jahr einen weiteren Liederabend präsentieren, der sich anlässlich des 200. Geburtstages von Clara Schumann ausschließlich Werken von Komponistinnen – 20 an der Zahl – widmen wird.

Das in Ihrer Heimat gegründete Rhonefestival für Liedkunst findet in diesem Jahr bereits zum zweiten Mal statt, Frau Heinzen?

Die erste Edition war ein sehr schöner Erfolg, der ermutigte, weiterzugehen. Ich denke, die Mischung zwischen Konzerten im wunderbaren Rittersaal des örtlichen Barockschlosses sowie ein buchstäbliches Zugehen auf das Publikum durch open air-Konzerte an ungewöhnlichen Orten oder das Lied in neuen Formaten ist sehr ansprechend: Wir möchten die Menschen mitnehmen, zeigen, dass das Lied mit den Komponenten Musik und Literatur mit seinen großen und tiefen Emotionen Teil eines jeden Menschen ist. Und in diesem Sinne keine Kunst auf einem Sockel. Und ich denke, dass sich nicht nur Schubert sehr darüber gefreut hätte, zu sehen, wie sich plötzlich ein Publikum neben der rauschenden Rhone mit einem Glas Wein zu Liedern versammelt!

Herr Mead, ebenso wie Frau Heinzen sind Sie in den letzten Jahren viel unterwegs – es ist ein Glücksfall, zwei Kosmopoliten wie Sie heute beide hier in Düsseldorf, Ihrer früheren Wirkungsstätte, gemeinsam zu treffen.

Ja, seit vergangenem Jahr studiere ich an der Royal Academy of Music „Piano Accompaniment“, das heißt Kammermusik und Liedgestaltung. Der Studiengang bietet mir eine hervorragende Möglichkeit, mein Repertoire als Klavierpartner intensiv auszubauen. Gleichzeitig ist es spannend, in einer Metropole wie London mit all ihren Konzertangeboten und Eindrücken zu leben und das – insbesondere deutsche – Kunstlied, ja den gesamten Musikbetrieb sprichwörtlich von einer anderen Seite zu sehen. Gleichzeitig war es ein persönlicher Wunsch, als in Deutschland aufgewachsener Engländer einem Teil meiner Wurzeln nachzuspüren. Und die Erfahrungen, die ich in den letzten Jahren bereits gesammelt habe, wirken hier natürlich fort. Jüngst erspielte ich mir den Webb Award für Liedbegleiter – das ist natürlich eine schöne Bestätigung für meinen Entscheid, mich der Liedkunst und Kammermusik zu widmen.

Herzlichen Glückwunsch hierzu und vielen Dank für das Gespräch Frau Heinzen und Herr Mead!

Das Instrument Stimme

 

Das Instrument Stimme

Der Singstimmtag am 11. Mai 2019 gehört mit zum diesjährigen Liedsommer von Liedwelt Rheinland. Viele unterschiedliche Veranstaltungen präsentieren und beleuchten das Kunstlied auf vielfache Weise. Elena Sebening hat mit Mathias Knuth und Fabian Hemmelmann einen Blick hinter die Kulissen der Bonner Stimmschmiede geworfen.

In der Stimmschmiede Bonn dreht sich alles um die Stimme – egal ob Sprechen oder Singen, erfahrene Logopäden und Gesangslehrer geben in Einzel- und Gruppenunterricht wertvolle Tipps. Der Leiter der Stimmschmiede ist Mathias Knuth. Er ist staatlich geprüfter Gesangslehrer, funktionaler Stimmbildner, arbeitet an der Carl-Stamitz-Musikschule in Köln und als Dozent für Stimmbildung an der SRH Fachschule für Logopädie in Bonn.

„Wir stützen uns bei unserer Arbeit auf physiologische Erkenntnisse, nicht nur auf Erfahrung“, sagt der 53-Jährige. Prinzipiell könne man jedem beibringen, besser zu singen. „Nicht aus jedem wird ein Opernsänger, aber eine Verbesserung gesanglichen Leistungsfähigkeit gelingt immer mit ein bisschen Übung“, so der Leiter. Viele, die die Stimmschmiede aufsuchen, singen bereits im Chor und möchten lernen, ihre Stimme stimmschonender einzusetzen. Es kommen aber auch Menschen, die vor Jahrzehnten aus dem Chor geschmissen wurden und nun noch einmal probieren möchten, mehr aus ihrer Stimme rauszuholen. Laut Knuth treffen die meisten intuitiv schon viele Töne. Dann ginge es darum, diese noch angenehmer klingen und die Stimme tragfähiger werden zu lassen. Bereits nach zehn Stunden Training sei es weniger anstrengend, für längere Zeit zu singen. Viele ungeübte Chorsänger hätten sonst nach einem längeren Auftritt oft ein Heiserkeitsgefühl.

Die Stimme ist kein Sprech-Organ

„Auf der anderen Seite gibt es Sänger, die können sechs Stunden Wagner singen und schaffen das relativ problemlos“, so Knuth. Dazu seien bestimmte Atmungstechniken und Körperspannung von Nöten – weder zu schlaff noch zu verspannt sollte der Sänger sein. „Die Stimmlippen sind ein Ventil für einströmende Luft und eigentlich nicht primär für das Sprechen oder Singen gemacht. Das ist anders als das Herz, was als primäre Aufgabe das Pumpen von Blut hat.“ Bei der Phonation nutzen wir also den Kehlkopf in einer sekundären Funktion zur Tonerzeugung. Wenn das nicht auf eine gute Weise gelingt entstehen Probleme bei der Tonerzeugung.

Nicht nur Sänger hätten das Problem mit der Überanstrengung, sondern auch viele Lehrer und Erzieher. „An Universitäten wird dem oft keine Aufmerksamkeit geschenkt. In anderen Ländern wird sogar vor Beginn des Studiums die Stimme der Pädagogen getestet.“ Knuth selbst bekam mit 16 Jahren seinen ersten Gesangsunterricht. Seine Eltern waren beide Hobbymusiker und Chormitglieder, beide spielten mehrere Instrumente.

Die Einheit aus Stimmung, Stimme und Mensch

Beim Singstimmtag am 11. Mai möchten Mathias Knuth und sein Team weitere Menschen für das Singen begeistern und ihre Arbeit vorstellen. „Das Schöne ist, wenn man die ersten Erfolge sieht und hört – und sich eine Einheit aus Stimmung, Stimme und Mensch bildet.“ Die Erfahrungen würden außerdem weit ins Leben hinein reichen: „Die meisten berichten von einem erfüllenden Erlebnis und guter Laune nach dem Singen.“ Das Wichtigste sei nach wie vor auch der Spaß. „Singen ist ein intensives körperliches Gefühl. Es kann regelrecht berauschend wirken“, findet Mathias Knuth.

Im Jahr 2013 eröffnete er die Stimmschmiede. „Ich hatte immer mehr Anfragen und konnte nicht alle Interessenten allein unterrichten, also habe ich mir weitere Lehrerinnen und Lehrer mit ins Boot geholt.“ Einer davon ist Fabian Hemmelmann. Er leitet das Konzert des Madrigal-Ensembles und der Brahms Quartette mit Teilnehmern seines Ensembleprojekts am Singstimmtag. Gleich ein Wochenende darauf am 18. und 19. Mai gibt es Konzerte mit seinem Kammerchor Voci di Fuoco in der Lutherkirche Bonn und der Zentrifuge Bad Godesberg mit den Liebes-Liederwalzern und weiteren Werken von Johannes Brahms. Hemmelmann studierte bei Prof. Thomas Quasthoff und bei Prof. Klesie Kelly-Moog. Er arbeitet als Lied- und Oratoriensänger und ist Gründungsmitglied der Kölner Vokalsolisten. Als Gesangspädagoge bereitet er auch Nachwuchssänger auf das Studium vor und veranstaltet Liedinterpretationskurse in Köln.

Bei seinem Ensemble Voci di Fuoco sei die Besonderheit, dass er viel mit solistischen Besetzungen arbeitet. „Die Sänger müssen aufeinander hören und gemeinsam singen, so entwickelt sich ein Chor gemeinsam.“ Das Madrigal-Ensemble präsentiert bei seinem Auftritt den Zyklus „Sestina“ von Monteverdi. Sowohl in Einzeleinheiten als auch in Chorprojekten arbeitet er mit Teilnehmern an ihrer Stimme.

Das Lied: lyrisch und atmosphärisch

„Nicht alles muss perfekt sein, Amateure sollen sich ausprobieren können und für viele ist der erste Auftritt bereits ein riesen Schritt, aber stets mit großem Entwicklungspotenzial“, findet Fabian Hemmelmann. Wichtig sei bei gemeinsamen Auftritten, dass Stimmen, die gleichzeitig singen, auch harmonieren. „Manche ergänzen sich, manche passen zusammen, andere nehmen sich gegenseitig die Wirkung.“ Die gemeinschaftliche Erfahrung steht für den Gesangslehrer immer im Vordergrund. „Es macht mir unglaublich viel Spaß zu Singen.“ Das Lied als Kunstform fasziniert und begleitet ihn seit Jahren: „Dabei lernt man die eigene Stimme kennen, es ist atmosphärisch und gibt auch dem Zuschauer etwas mit“, findet er. Ein weiteres großes Thema beim Lied sei der Text, den es zu verstehen und interpretieren gilt. Die Verbindung aus zeitgenössischen und historischen Stücken ist ihm aber nach wie vor wichtig.

Zwischen 9.45 und 18 Uhr wird während des Singstimmtages am 11. Mai 2019 außerdem je 30-minütiger Einzelunterricht für zehn Euro vergünstigt angeboten. Dafür müssen sich Interessierte im Vorhinein unter info@stimmschmiede-bonn.de mit Angabe des gewünschten Zeitfensters anmelden. Gesungen wird in der Stimmschmiede alles von Pop bis Klassik. Ein wichtiger Bestandteil ist das Kunstlied. „Das Lied ist lyrisch und eignet sich besser als Opernarien, bei denen es viel auf die Lautstärke ankommt. Beim Lied wird der lyrische und dramatische Klang erprobt“, erzählt Knuth.

Lieder eignen sich besonders als erste Stücke für Stimmbildungseinsteigerinnen und -einsteiger. Die leichte Stimmführung beim Liedgesang lasse sich auch als Training für die Sprechstimme einsetzen. Ein Chor ist oftmals das Einfallstor und erste Kontakt mit klassischer Musik, besonders für jüngere Menschen. Am Singstimmtag wird es allerdings eine bunte Mischung geben. Jeder Schüler darf singen, was er möchte. Wer seine Singstimme trainiert, absolviert gleichzeitig auch Sprechtraining. „Viele Lehrer haben angestrengte oder angeschlagene Stimmen. Am leichtesten fällt es denjenigen, die bereits im Chor singen“, erklärt Knuth. Für ihn ist klassische Musik ohne das Lied nicht vorstellbar. „Selbst professionelle Opernsänger oder Musicalsänger müssen immer wieder Lieder singen, das ist wichtig für die gesunde Stimme.“

Das Gespräch führte Elena Sebening.

Photo Titelbild ©  M. Knuth, privat

Interview mit Peter Bortfeldt

“Mich fasziniert die einzigartige Verbindung von Text und Musik” – Interview mit Peter Bortfeldt

Wie sind Sie zum Klavier gekommen?

Das hat sich bei mir eigentlich durch die Familie ergeben – ich hatte sehr viele Musiker in der Familie, auch den ersten Klavierlehrer von Robert Schumann, Johann Gottfried Kuntsch. Insofern lag das Klavierspiel also in der Familie. Mein Vater hat mich wiederum sehr an die Literatur herangeführt. Ich bin also mit Musik und Literatur aufgewachsen, so dass sich der Weg für mich ganz natürlich ergab. Bereits vor Beginn des Studiums habe ich mich sehr für Kammermusik und das Lied interessiert, so dass sich dort schnell ein inhaltlicher Schwerpunkt herauskristallisiert hat.

Wie sind Sie dann letzten Endes zum Lied gekommen?

Ich war sehr viel als Korrepetitor bei Meisterkursen dabei, so dass sich zunehmend Kontakte zu tollen Sängern ergeben haben. Auf diesem Wege habe ich letzten Endes sogar meine Frau kennengelernt, die Sängerin ist und die ich bei einem Opern-Workshop in San Francisco kennengelernt habe. Die Entscheidung, dass sie nach Deutschland zieht, hatte auch mit der hiesigen Kulturszene zu tun.

Was macht für Sie als Pianisten die besondere Faszination der Gattung Lied aus?

Mich fasziniert am Lied die Mischung der Inhalte und die einzigartige Verbindung von Text und Musik. Ich finde mich im romantischen Lied mit der Naturverbundenheit und seiner spezifischen Dichtungswelt selber wieder: Für mich wird die romantische Dichtungswelt im Lied zur Realität und ich war auch immer schon gerne und viel draußen, gehe viel spazieren und wandern.

Der Blick vom Drachenfels bietet die Realisierung von Robert Schumanns Lied-Ästhetik

Ich sehe auch durch meine Frau, die ja Amerikanerin ist, wie sehr wir als Musiker in Deutschland in das Lied reingeboren und reingewachsen sind. Man merkt immer wieder, wie sehr wir in dieser Liedtradition verankert sind, vor allem auch im Rheinland, das ja viele Dichter und Komponisten in ihren Werken beschrieben haben. Als meine Frau beispielsweise zum ersten Mal auf dem Drachenfels war und die Aussicht von dort oben runter auf den Rhein sah, sagte sie bloß: „Das ist Schumann.“ Und in der Tat fühle ich mich sehr den Liedern Robert Schumanns und Franz Schuberts verbunden.

Sie sind als Lehrbeauftragter sowohl in Köln als auch in Frankfurt tätig. Wie vermitteln Sie jungen Pianisten, wie man Lied gestaltet?

Wichtig ist vor allem, zu verstehen, was beim Sänger passiert und was dieser braucht, was natürlich eine große Herausforderung ist und weit über das rein technische Können hinausgeht. Man muss technisch mindestens genauso fit sein wie ein Pianist, der solistisch auftritt, um seine ganze Energie auf das Zuhören verwenden zu können. Ein Liedpianist muss ein wahrer Kammermusiker sein und in den musikalischen Partner, in dem Fall eben kein Instrumentalist, sondern ein Sänger, hineinhorchen und vorausschauend agieren.

Drei wichtige zentrale Dinge der Liedgestaltung

Bei der Liedgestaltung kommen drei wichtige Dinge zusammen, die ich als Pianist berücksichtigen muss: den Fluss der Musik, den Atem des Sängers und natürlich auch den Text mit seinen Inhalten auf den verschiedenen Ebenen, den ich natürlich zunächst selbst intensiv lesen und verstehen muss. Heutzutage gibt es zunehmend Studierende, die den Text nicht mehr verstehen. Entweder weil sie internationale Studierende sind, die im Rahmen des Studiums gerade erst Deutsch lernen oder aber auch bei deutschen Studenten, die aus der Schule heraus andere Voraussetzungen haben als dies bei uns der Fall war.

Heute werden kaum noch Gedichte gelesen, geschweige denn interpretiert. Insofern ist die Beschäftigung mit den Texten fast der schwierigste Teil meiner Arbeit an der Hochschule. In den letzten Jahren hat die Tendenz, sich auf das Technische in der Musikerausbildung zu konzentrieren, leider stark zugenommen. Aber die Texte im Kunstlied sind in der Regel sehr poetisch und oft auch sehr verschlüsselt. Damit können die Studierenden zunächst kaum etwas anfangen.

Für mich ist das Textverständnis von zentraler Bedeutung

Ein Beispiel: In der romantischen Dichtung galt der Zypressenzweig als Symbol für Ewigkeit und wurde oft bei Beerdigungen verwendet. Dieses Wissen bringen heutige Studierende nicht mehr mit, wenn sie mit dem Studium beginnen. Hierfür gibt es auch kein Extrafach an der Hochschule, obwohl das eine sinnvolle Überlegung wäre. Ein solches Textverständnis zu vermitteln zählt daher meiner Meinung nach daher zu einem guten Lehrer.

Die Realität an der Hochschule sieht heute auch so aus, dass die Vielzahl internationaler Studierender außer der Problematik Sprachverständnis und Aussprache auch noch deren ganz andere Mentalitäten, die Studierende aus völlig anderen Kulturkreisen mitbringen. Da merkt man sehr, dass das Lied bis heute eine sehr deutsch geprägte Gattung ist.

In Amerika ist die Lied-Szene inzwischen wesentlich aktiver als noch vor einigen Jahren habe ich beobachtet. Dort gibt es auch immer mehr Komponisten, die sich der Gattung zuwenden.

Wir haben im letzten Jahr bereits über die Idee gesprochen, auch Laienpianisten für die Liedgestaltung zu gewinnen. Welche Situationen, welche Chancen sehen Sie hier?

Ich denke, dass sich sehr viele Pianisten sehr schnell auch einsam fühlen und mit großer Freude mit anderen gemeinsam musizieren würden. Es ist jedoch schwierig, mit Sängern ein gleiches Level zu finden. Ein Sänger hat – rein vom Notentext her – ein einfaches Strophenlied schneller drauf als ein Pianist. Die große Herausforderung gerade für den Laienpianisten liegt eben darin, den Notentext zu kennen, das aber so gut, dass er sich ganz auf das Zuhören konzentrieren kann. Es braucht also sehr viel Geduld und in der Konstellation wird der Pianist immer mehr üben müssen als der Sänger.

Ich würde mit einer kleinen Keimzelle beim Hobby-Pianisten anfangen, maximal acht Takte

Wenn wir einen Wochenendworkshop „Liedgestaltung für Laienpianisten“ planen würden, dann würden wir vermutlich mit einem kleinen Ausschnitt eines Lieds beginnen. Acht Takte, die technisch nicht schwierig sind und die man recht schnell in den Fingern haben kann. Daran könnte vermittelt werden, wie der Prozess des Zusammenarbeitens zwischen Sänger und Pianist dann aussieht, denn dieser Austausch ist ja der eigentlich spannende Teil beim Lied. Ein solcher Workshop könnte vielleicht eine Initialzündung für den ein oder anderen Hobby-Pianisten sein, sich nicht mit einem befreundeten Geiger zur Hausmusik zusammenzutun, sondern auch einmal mit einem Sänger.

Seit letztem Jahr haben Sie gemeinsam mit dem Bariton Aris Argiris und seiner Frau, Guadalupe Larzabal, Opernsängerin und Chorleiterin in Bonn ein neues Studio, das Agora Artists Studio in Bonn. Was ist das Besondere an diesem Ort?

Wir haben uns schon vorher ein Studio geteilt zum Üben und Unterrichten, hatten aber dann die Idee, das so auszubauen, dass sich der Raum auch für Veranstaltungen eignet, vor allem natürlich für Konzerte, aber auch Ausstellungen. Über Guadalupe Larzabal ist natürlich ein starker Bezug zu Südamerika vorhanden. Der Chor „Voces de las Américas“, den sie leitet, probt hier und gibt natürlich dann auch Konzerte hier, die Ausstellungen sind oft von südamerikanischen Künstlern und es finden Tangokurse statt. Mit den Veranstaltungen haben wir gerade erst angefangen, hoffen aber natürlich sehr, dass diese gut angenommen und auch mehr werden und sich eine Kontinuität entwickelt. Ideen sind auf jeden Fall reichlich vorhanden! Und da freuen wir uns natürlich sehr, wenn wir gemeinsam mit der Liedwelt Rheinland hier etwas bewegen können.

Das Interview führte Verena Düren. [April 2018]
© Photo: Peter Bortfeldt | privat

Interview Valentin / Grishutina

Die Farben der Musik – Interview mit Esther Valentin  (Mezzosopran, r) und Anastasia Grishutina (Klavier, l)

Es gibt Musiker, die sehen sich gegenseitig als Konkurrenz und es gibt solche, die mit der Begabung und Begeisterung des anderen weiter wachsen. Letzteres spürt man sofort, wenn die Mezzosopranistin Esther Valentin und Liedpianistin Anastasia Grishutina die Bühne betreten und so erklärt sich auch der erste Platz beim dritten Internationalen Schubert Wettbewerb Dortmund 2018.

Die beiden sitzen etwa zwei Monate nach dem erfolgreich absolvierten LiedDuo-Wettbewerb gemeinsam in einem Kölner Café und blicken zurück auf die spannende Zeit und ihre gemeinsame Vorbereitung. Außerdem erzählen sie von weiteren geplanten Projekten.

„Im Moment führen wir eine perfekte musikalische Fernbeziehung“, sagt die 25-jährige  Esther. „Das trifft es wohl am besten“, stimmt ihr Anastasia zu. Seit dem Sommer wohnt Esther in Weimar und ist als freischaffende Künstlerin tätig, Anastasia lebt in Wuppertal und studiert in Köln. Die beiden arbeiten seit zwei Jahren gemeinsam an musikalischen Projekten, aber es wirkt, als würden sie sich schon viel länger kennen.

Ein stark verbindendes Element ist natürlich die Musik und gemeinsame Affinität zum Kunstlied. „Wir kennen uns, seit wir in einer Meisterklasse zusammen eingeteilt wurden. Da haben wir direkt gemerkt, wie gut wir harmonieren“, sagt Esther Valentin. Sowohl ihr musikalischer Geschmack sei ähnlich, als auch die emotionale Herangehensweise. „Wir sind uns von Anfang an auf Augenhöhe begegnet und das ist uns weiterhin sehr wichtig. Eine ehrliche Art und dass wir direkt dem anderen sagen, wenn uns etwas nicht gefällt“, so Esther.

„Ganz genau, wir hören aufeinander. Wir sind halt wirklich ein Duo – nicht Gesang mit Begleitung, wie es oft praktiziert wird“, ergänzt Anastasia. Besonders wichtig war und ist für die 30-Jährige ihr Professor für Liedgestaltung Ulrich Eisenlohr: „Ich bin ihm wirklich dankbar für seinen spannenden und hochinteressanten Unterricht. Von ihm habe ich gelernt, wie wichtig Texte im Lied sind und wie man mit diesen musikalisch umgehen soll“, sagt sie.

Eins werden in der Musik

Als Duo spielen, aber dabei Eins werden, das sei ihr Anspruch. Jede von ihnen bringt ganz unterschiedliche Erfahrungen aus dem Liedbereich mit, von denen die andere wiederum profitiert. Esther hat an der Hochschule für Musik und Tanz Köln Gesang studiert und wuchs in einer Musikerfamilie auf. Die Affinität zur klassischen Musik entdeckte sie bereits mit 15 Jahren. „Ich hatte Gesangsunterricht bei meinem Vater und der meinte irgendwann, er wolle etwas ausprobieren und gab mir eine Arie, statt der eigentlichen Pop- und Musicalstücke. Und es war, als hätte meine Stimme da das erste Mal wirklich das gemacht, was sie will und wozu sie gemacht ist.“ Seit diesem Tag wollte Esther Valentin Gesang studieren und hat die Entscheidung bis heute nicht bereut.

In der Zeit, in der sich Esther und Anastasia nicht persönlich treffen können, halten sie trotzdem beinahe täglich Kontakt. „Wir schicken uns ständig Sprachnachrichten und zeigen dem anderen bestimmte Passagen und Stücke“, erzählt Esther. Wenn sie dann ein paar Tage in der selben Stadt verbringen, besprechen sie alles intensiv und proben stundenlang. Ihre Proben zeichnen sie auf, schauen und hören sich die Aufnahmen gemeinsam an und besprechen sie kritisch.

Aktuell bereiten sich die Zwei auf ein Vorsingen für einen weiteren Meisterkurs vor. Bei ihren Auftritten ist es ihnen besonders wichtig, nicht nur Lied für Lied zu präsentieren, sondern vielmehr, eine Geschichte zu erzählen. „Ich muss als Sängerin eine Botschaft haben, wenn ich die Bühne betrete, anders geht es nicht“, betont die 25-Jährige.

In ihrem Repertoire sind längst nicht mehr nur deutsche Lieder zu finden. Auch französische und sogar russische Lieder haben die beiden schon interpretiert. Das Wichtigste sei dabei immer das Authentische. „Man muss sich fragen, wie würde das Stück ein Franzose betonen oder eine Russin“, sagt Esther. Mit Hilfe von Anastasia Grishutina übte sie bereits russische Stücke ein. Gemeinsam übersetzten sie die Texte peu à peu, immer wieder übte die Mezzosopranistin die für sie völlig unbekannte Sprache. „Da ist das Wort Fremdsprache wirklich eine passende Beschreibung. Ich kann ja nicht einmal die Wörter lesen“, sagt sie und schmunzelt. „Ich habe ihr in Sprachnachrichten die Sätze ganz langsam vorgelesen, sodass sie schon einmal alleine üben konnte, bevor wir gemeinsam proben“, erzählt Anastasia.

Die Musik verstehen lernen

Das größte Anliegen der beiden ist nach wie vor, das Kunstlied weiter zu verbreiten und in all seinen Facetten zu präsentieren. „Viele denken, dass das Kunstlied im 19. Jahrhundert ausgestorben ist. Für mich stimmt das nicht. Es gibt auch moderne Stücke, die in diese Gattung fallen und auch solche wollen wir spielen“, sagt Anastasia Grishutina und führt weiter aus: „Die Musik geht erst dann ins Herz, wenn man sie versteht. Nicht einmal die Worte, die gesungen werden, sondern einfach die Botschaft der Stücke.“

Nach ihrem Studium in Russland hat sich die 30-Jährige während ihrer Zeit an der Hochschule für Musik und Tanz Köln auf Liedgestaltung spezialisiert. Aktuell absolviert sie als eine der ersten das zweijährige Konzertexamen an der Kölner Hochschule mit diesem Schwerpunkt. Anastasia spielt seit ihrem sechsten Lebensjahr Klavier. Auch sie wuchs, wie Esther Valentin, in einer Musikerfamilie auf. Anastasias Mutter ebenfalls selbst Pianistin. „Und nachdem ich das erste Mal ein Stück von Rachmaninow gespielt habe, war ich verloren und wusste, ich will auch Pianistin werden“, erzählt sie. Die Auftritte als Duo sagen ihr trotzdem am meisten zu: „Ich gehöre nicht in die Solowelt. Ich habe als Kind gerne im Chor gesungen und diese Zeit absolut genossen. Genau das vereint das Lied für mich. Ich habe den Gesang, den ich seit meiner Kindheit schätze und kann am Klavier dazu spielen.“

In ihrer Freizeit hört Anastasia neben klassischer Musik gerne Rock-, Folk- oder Popmusik. „Auch einfach mal gerne Rammstein, Queen oder Simon and Garfunkel“, sagt die 30-Jährige und muss herzlich lachen. Das Schöne an dieser Art von Musik ist für sie die Verbindung von Publikum und Künstler. „Da ist keine Barriere, die Emotionen werden gemeinsam gelebt. Das möchte ich gerne ein Stück weit in der Liedkunst etablieren.“

So ergänzen sich die beiden jungen Frauen gegenseitig und interpretieren das Kunstlied stets auf ihre eigene Weise.

Das Interview führte Elena Sebening. [November 2018]

oberstes Photo © Schubert Wettbewerb | Florian Schmitz
zweites und drittes Photo von oben © Schubert Wettbewerb | Finn Löw

Die Stimme ist das ursprünglichste Instrument – Interview mit Martin Wistinghausen

Die Stimme ist das ursprünglichste Instrument – Interview mit Martin Wistinghausen

Sie bezeichnen sich als „singenden Komponisten und komponierenden Sänger”. Was überwiegt und inwiefern beeinflussen sich beide Tätigkeiten?
Das ist schwer zu sagen, es ist „mal so, mal so“ … Ich möchte beide Tätigkeiten nicht missen. Als Komponist sitzt man viel am Schreibtisch, droht ein wenig zu vereinsamen. Als Sänger macht es mir große Freude, mit Kolleginnen und Kollegen zu musizieren. Ich glaube auch, dass es für einen Komponisten nur von Vorteil sein kann, auch die „andere Seite“ zu kennen.

Wie war Ihr Weg zum Gesang?  War das ein direkter Weg oder gab es Umwege?
Ich habe schon als Kind gerne gesungen, beispielsweise im Kinderchor. Nach dem frühen Stimmbruch habe ich dann gleich Gesangunterricht genommen: der Weg war also sehr direkt.

Was reizt Sie am Gesang? Was ist das schönste an der Arbeit mit der menschlichen Stimme beziehungsweise dafür zu komponieren?
Die Stimme ist das ursprünglichste Instrument, schon bevor der Mensch Instrumente gebaut hat, wurde musiziert – mit der Stimme! Mich reizt die große Schönheit der Stimme, wie wir sie aus der traditionellen abendländischen Kunstmusik kennen; mich reizen aber ebenso die vielen Ausdrucksmöglichkeiten, die die Stimme sonst noch bietet. Darüber hinaus habe ich als Sänger wie als Komponist immer wieder mit vielen wunderbaren, ganz unterschiedlichen Texten verschiedener Sprachen und Epochen zu tun.

Schreiben viele moderne Komponisten nicht zu viel gegen die Stimme? Fehlt ihnen unter Umständen die sängerische Sozialisation, wie sie zum Beispiel viele britische Komponisten durch Knabenchöre erfahren haben?
Es ist sicherlich so, dass viele Komponisten wenig mit dem „Instrument Stimme“ anfangen können, das habe ich auch als Sänger, der viel Neue Musik singt immer wieder erleben müssen. Was aber genau heißt „gegen die Stimme“ schreiben? Das ist ein weites Feld… Ich glaube zum Beispiel nicht, dass alles, was sich auch nur ein Stückchen weit vom Belcanto-Gesang entfernt, schädlich für die Stimme ist. Da fehlt auch oft die Bereitschaft der Sänger, sich auf Unbekanntes einzulassen.

Viele der gesungenen Liedtexte wirken heutzutage gestelzt und manieriert, sie werden gerade von jungen Menschen immer weniger verstanden. Wie kann man ihnen diese Texte näherbringen und verständlich machen?
Das ist in der Tat eine sehr berechtigte, schwer zu beantwortende Frage. Das erste Problem sehe ich in der Bildung: junge Menschen werden – etwa in der Schule, aber auch im Elternhaus – einfach zu wenig mit den traditionellen Texten und Liedern konfrontiert, da fällt es dann später auch schwerer, sich darauf einzulassen. Ich glaube, dass der klassische Liederabend durchaus noch seine Berechtigung hat. Man sollte aber auch versuchen neue Wege zu gehen, besondere Programme zu kreieren, die zum Beispiel alte mit neuen Texten thematisch klug kombinieren. Auch Konzertabende, in welchen instrumentale Kammermusik und/oder Lesungen sich mit Liedvorträgen sinnvoll abwechseln, können sehr spannend sein.

Ist es für Nachwuchssänger heutzutage nicht ungeheuer schwer, sich angesichts der großen Anzahl an Sängern auf dem Markt durchzusetzen? Bilden Musikhochschule eventuell nicht zu viele Sänger aus?
Das ist sicherlich nicht ganz falsch. Allerdings gibt es Fächer, wo das Missverhältnis von Beschäftigungsmöglichkeiten und Anzahl der Studienabsolventen noch krasser ist, denken sie etwa an Pianisten! Für Sänger gibt es doch noch vergleichsweise viele Arbeitsmöglichkeiten: in Rundfunk- und Opernchören, als Opernsolisten, Konzertsänger, Gesanglehrer. Und: wenn man die künstlerische Ausbildung nur noch allein am „Markt“ ausrichtet, ist das der Anfang vom Ende.

Welche Konzerte und Projekte stehen aktuell an? Auf welches freuen Sie sich besonders?
Ende September 2018 kommt es in Düsseldorf zur Uraufführung meines neuen Werkes „Wasser-Bilder”. Im November reise ich für einige Tage zum Festival Timsonia in Temeswar in Rumänien. Dort werde ich als Sänger und Komponist präsent sein und auch einen kleinen Meisterkurs für Schubertlieder geben. Ich mache das nicht aller Tage und freue mich sehr darauf…

Wieviel Prozent Ihrer Arbeitszeit geht fürs Üben und Konzertieren drauf, wieviel fürs Organisieren? Wieviel fürs Komponieren?
Das lässt sich kaum beziffern, variiert auch stark, je nachdem was gerade ansteht. Um sängerisch fit zu bleiben, ist aber auf jeden Fall das tägliche Training wichtig, genau wie bei einem Sportler. Und: als Freiberufler ist die Zeit, die für Planungen und Organisationsarbeit drauf geht nicht zu unterschätzen…

Sind Sänger wirklich solche mimosenhaften Sensibelchen, als die sie oft verschrien sind? Warum haben sie diesen Ruf?
Ich glaube, das ist ein Stück weit Klischee. Aber natürlich wird das Klischee von einzelnen Personen immer wieder bedient, meiner Erfahrung nach aber äußerst selten.

Ist es nicht eine ungeheure Belastung, sich immer so um sein eigenes Instrument sorgen und unter Umständen auf viele Dinge verzichten zu müssen?
Manchmal schon, besonders, wenn man wie ich, was Erkältungen, Allergien und dergleichen angeht, nicht ganz unempfindlich ist…

Das Gespräch führte Guido Krawinkel im August 2018.
Photo 1 © Martin Wistinghausen
Photo 2 © Liedwelt Rheinland | Sebastian Herzog Geddes

Bilder über persönliche Sehnsuchtsorte – Interview mit Tobias Krampen

Bilder über persöhnliche Sehnsuchtsorte – Interview mit Tobias Krampen

Die Konzerte im September 2018 in Bonn, bei denen Sie mit Elena Marangou die CD „Into a Children`s Room“ mit Liedern unterschiedlicher Komponisten aus unterschiedlichen Kulturen vorstellen, sind ein schöner Anlass, mit Ihnen, Herr Krampen, ins Gespräch zu kommen über Ihre musikalische Arbeit. Wie ist es zu dieser Zusammenarbeit mit Frau Marangou gekommen??

Das Programm ist größtenteils von Elena Marangou ausgewählt und zusammengestellt worden. Die Zusammenarbeit mit ihr begann ursprünglich im Rahmen von privaten Korrepetitionsstunden. Es ist großartig, welche unterschiedlichen Stile, Sprachen und Inhalte Elena in dieser abwechslungsreichen Einspielung zusammengestellt hat und die Arbeit an den Werken war auch eine Bereicherung für mein Repertoire als Begleiter.

Insgesamt erscheint einem als Außenstehendem die Arbeit eines Liedpianisten als große Herausforderung. Die Musikliteratur besteht ja nicht nur aus Schuberts Liedzyklen und anderen Klassikern, sondern, wie ja auch die CD zeigt, aus einer Unzahl an zu hebenden Schätzen.?

Darin liegt für mich seit langer Zeit schon die große Faszination meiner Arbeit. Ich habe schon als Jugendlicher Sprache und literarische Texte geliebt und das Lesen ist neben der Musik eine weitere Leidenschaft in meinem Leben.

Das klingt, als habe die Liedbegleitung und die Kammermusik für Sie bereits früh in der beruflichen Laufbahn zum Programm gehört??

Nur teilweise. Zwar gab es zu Hause früher auch gemeinsames Spiel mit meinem Bruder, der Geiger ist, aber ursprünglich habe ich das Studium zum Konzertpianisten abgeschlossen. Während des Studiums in Hannover gab es eigentlich nur wenige Berührungspunkte zur Liedgestaltung. Es ist eher so, dass ich weit weg von Deutschland meine besondere Neigung zum Lied entdeckt habe: Im Aufbaustudium an der McGill University in Montréal nahm ich an einem studienbegleitenden Zusatzangebot in “Song Interpretation“ teil. Ich lernte das europäische Liedgut also in Kanada neu kennen.

Die Besonderheit der menschlichen Stimme berührt mich stark

Seit dieser Zeit schätze ich die künstlerisch bereichernde Arbeit und die Möglichkeiten, die diese gerade mit Sängerinnen und Sängern birgt. Es ist nicht nur die Zeit, die man mit Proben und Meisterkursen gemeinsam verbringt, sondern auch die, welche außerhalb der künstlerischen Arbeit, zum Beispiel beim Essen oder auf Reisen in anregenden Gesprächen miteinander verbracht wird. Hier ist es gerade bei der Liedgestaltung zwischen Sängern und Pianisten möglich, etwas ganz Besonderes und Individuelles zu entwickeln. Und es gefällt mir, meine fachlichen Möglichkeiten als Pianist in diese Arbeit mit einzubringen. Ich mag es, das Geschehen auf der Bühne mitzugestalten und zu steuern.

Es ist schön, ausgehend von der genauen Kenntnis der Liedliteratur den sängerischen Kollegen in seiner Arbeit auf diese Weise zu unterstützen. Manchmal geht das so weit, dass ich mit dem Einatmen des Sängers schon antizipieren kann, wie der Ton klingen wird. Die Besonderheit der menschlichen Stimme berührt mich stark und die große Individualität und Bandbreite meiner sängerischen Kollegen ist es, was ich an der Arbeit als Liedpianist so liebe.

Wie ist das möglich, wenn man bedenkt, dass alleine das Liedgut von Schubert circa 700 Werke umfasst??

In diesem Zusammenhang ist meine Liebe zu Literatur, Gedichten und Texten eine große Hilfe. Ich mag es, die jeweilige Liedliteratur so weit durchgearbeitet zu haben, dass bei der Zusammenarbeit mit den Sängern direkt der gestalterische Aspekt in den Vordergrund rücken kann, damit ich mit meiner Erfahrung und Notenkenntnis den sängerischen Partner bestmöglich unterstützen kann.

Geben Sie diese in jahrelanger Zusammenarbeit zum Beispiel mit Christoph Pohl und Ingeborg Danz gesammelten Erfahrungen auch weiter??

Im Rahmen meines Lehrauftrages an der Kölner Hochschule für Musik und Tanz unterrichte ich Liedgestaltung für Sängerinnen und Sänger. Zum Teil kommen diese mit ihren jeweiligen Pianisten in den Einzelunterricht, sodass ich auch Duos in ihrer Arbeit betreuen kann. Ein besonderes Anliegen ist es mir hierbei, die Künstler in ihrer Individualität zu bestärken. Die jungen Künstler sind handwerklich hochqualifiziert und motiviert, jedoch durch den Anforderungen des Studiums mit der großen Bedeutung des Erwerbs von Scheinen und Credits in ihren Entfaltungsmöglichkeiten oft gebremst. Hier liegt eine besondere Chance der Beschäftigung mit dem Liedgut. Das Lied ist insgesamt eine leisere Kunstform im Vergleich zum Auftritt des Sängers auf großen Opernbühnen. Die ganz intime und feine Arbeit mit den Texten gibt den Künstlern die Möglichkeit, eine Brücke zu ihrer ganz persönlichen Kreativität als Sänger oder Pianist zu schlagen.

Wie können wir uns das vorstellen??

Es geht darum, die auf den ersten Blick teilweise altmodisch wirkenden Texte zum Beispiel der romantischen Literatur, weltbekannte Texte wie den „Lindenbaum“ oder das „Gretchen am Spinnrad“, für sich als Künstler in ihrem Bedeutungsgehalt neu zu deuten. Es sind ja zunächst Gedichte, die Komponisten seinerzeit so tief berührt haben, dass sie diese zum Anlass genommen haben, wunderbare, zeitlose Musik zu erschaffen, deren Notentext für sich genommen bereits ein Kunstwerk und schon eine individuelle Interpretation des Textes ist. Und aus dieser einzigartigen Verschmelzung zweier Kunstgattungen können wir schöpfen.

Abseits von einer eher aus der Tradition der „Meisterlehre“ stammenden Liedinterpretation, besteht ja die Möglichkeit, den Symbolgehalt der Textbilder in Verbindung mit der Komposition neu für sich als Künstler zu entdecken und für die persönliche Interpretation zu nutzen. Ich arbeite mit den Sängern und Pianisten sehr viel am Text, rege dazu an, diesen zunächst individuell für sich und auf sich wirken zu lassen:

Wofür steht beispielsweise die Zeile „Am Brunnen vor dem Tore, da steht ein Lindenbaum“? In einem assoziativen Prozess entwickeln sich so Bilder über persönliche Sehnsuchtsorte, die auch mit der Biographie des jeweiligen Künstlers zusammenhängen. Ausgehend davon ist es möglich, die bei guten Texten immanente universelle Symbolik zu erkennen und dann hörbar zu machen. Es ist so, dass es ja trotz kultureller Unterschiede der Studierenden, die ich unterrichte, im Eigentlichen um das Sichtbarmachen allgemeingültiger emotionaler Inhalte geht.

Das Lied als Brücke zur künstlerischen Infividualität

Und hier kann das Lied in besonderer Weise Brücken bauen zur künstlerischen Individualität. Ich habe die Erfahrung gemacht, dass diese Technik sehr gut funktioniert. Die Ergebnisse überzeugen dabei umso mehr, je mehr es dem Dozenten gelingt, die eigene Wertung in Bezug auf ein Lied und das Einbringen einer direktiv wirkenden Stellungnahme möglichst zurückzufahren und in der Rolle des Beobachters, Prozessbegleiters und Moderators zu bleiben.

Das künstlerische Ergebnis wird mit dieser Herangehensweise in einem ganzheitlichen Gestaltungsprozess erarbeitet, im Unterschied zu einer Korrektur einzelner Bereiche eines Stückes. In dieser Arbeit wird nicht nur die Eigenständigkeit der Interpreten unterstützt, sondern es gelingt oft auch, in einer gewissermaßen kulturell übergreifenden archetypischen Deutung der Textsymbolik, das Liedverständnis zu vertiefen, egal aus welchem kulturellen Hintergrund die jeweiligen Künstler stammen. In diesem Sinne wird die Liedinterpretation authentisch und individuell, was sie dann von einer eher nostalgisch und musealen Herangehensweise unterscheidet.

Vor einigen Wochen haben Sie ja auch einen Vortrag über diese von der tiefenpsychologischen Arbeit inspirierten Herangehensweise in der Liedinterpretation gehalten, beim 2018er Festival „Luft und Raum“ in Bonn.?

Ja, ich bin sehr glücklich über die Möglichkeit, jetzt schon über mehrere Jahre das Wachsen des Kunstraums Zentrifuge in Bonn miterleben und mit gestalten zu können. Ausgehend von den Räumlichkeiten des ehemaligen Testgeländes für Schwerelosigkeit im All des Instituts für Luft- und Raumfahrt in Bonn hat sich dort ein Zentrum für Kulturschaffende entwickelt, welches ein wertvoller noch wachsender Kunstraum ist. So konnten Ingeborg Danz, Peter Stein und ich gemeinsam mit anderen Künstlern dort im vergangenen Mai ein abwechslungsreiches Programm anbieten mit Meisterkursen für Liedinterpretation und Kammermusik, verschiedenen Vorträgen über den tiefenpsychologischen Gehalt des europäischen Liedgutes aber auch über eher physikalisch inspirierte Themen der Kunst. Nicht zu vergessen der Origamiworkshop mit dem Geiger und Origami-Künstler Peter Stein…

…es ist also ein künstlerisch sehr abwechslungsreicher Rahmen dort??

Ja, und ich freue mich jetzt schon auf die fünfte Auflage des Festivals, das 2019 vom 4. bis zum 9. Juni stattfinden wird!

Worauf freuen Sie sich noch in den nächsten Monaten??

Zunächst freue ich mich über ein paar freie Tage in den Sommerferien. Dann geht es aber auch direkt weiter mit Meisterkursen für Liedinterpretation in Arosa und in Essen, die Ingeborg Danz und ich schon seit vielen Jahren regelmäßig geben. Anschließend kann ich mit Elena Marangou die CD in mehreren Konzerten im Rahmen des Liedsommers vorstellen.

Und dann freue ich mich, in der Saison 2018/19 die städtische Konzertreihe in Moers erstmals federführend zu gestalten. Es wird ein abwechslungsreiches Programm mit einem Schwerpunkt auf unterschiedlichen kammermusikalischen Quartetten geben, so wird es neben Streichquartetten auch Saxophon-, Klarinetten- und Gitarrenquartette geben. Zusätzlich werde ich vor einigen der zwölf Konzerte eine Konzerteinführung geben. Ich bin sehr gespannt auf das Gesprächskonzert mit Frau Prof. Nicola Jürgensen, der Soloklarinettistin des WDR Orchesters und auch auf den Workshop für Schüler mit dem Titel „Winterreise, darf ich da mit?“

Das klingt interessant!?

Warum sollte es nicht gelingen, jungen Menschen neben den täglichen, ja auch sehr gefühlsbetonten Playlists der Alltagsmusik den emotionalen Gehalt dieses Meilensteins des Kunstliedes nahezubringen? Es gibt so viele gute Ansätze in der Musikpädagogik. Ich denke, dass auf diese Weise das Lied nicht nur für die Liebhaber der etwas intellektualisierten Kunst, sondern auch für viele andere Menschen als authentischer Ausdruck von Gefühlswelten fruchtbar sein kann.

Herr Krampen, für Ihre Projekte wünschen wir Ihnen alles Gute und danken ganz herzlich für das Gespräch!

Das Gespräch führte Heike Paulsen.

Photo © Tobias Krampen | Christian Palm

“Singen ist die persönlichste und unmittelbarste Art, Musik zu machen” – Interview mit Thilo Dahlmann

“Singen ist die persönlichste und unmittelbarste Art, Musik zu machen”

 Interview mit Thilo Dahlmann

Herr Dahlmann, wann stand für Sie fest, dass Sie Gesang studieren wollen? War das ein direkter Weg oder gab es Umwege?

Es waren bei mir vor allem Umwege und die Entscheidung kam recht spät. Ich habe erst mit 24 Jahren mit dem Gesangsstudium an der Essener Folkwang-Hochschule begonnen und davor auch nur ein halbes Jahr Gesangsunterricht genommen. Eigentlich kam ich vom Klavier und der Orgel. Nach dem Abitur begann ich zunächst ein Jura-, Geschichts-, Politik-, Musikwissenschafts- und Romanistikstudium in Bonn. Also ein ziemlich großer Umweg, um den ich heute aber nicht traurig bin, und der mir in der künstlerischen und pädagogischen Arbeit zu Gute kommt.

Parallel zum Studium in Bonn begann ich beim Erzbistum Köln eine nebenberufliche Ausbildung zum Kirchenmusiker. Darüber bekam ich Kontakt zu meiner ersten Gesangslehrerin und die empfahl mir meinen ersten Lehrer an der Folkwang-Hochschule Essen. Und so kam am Ende eins zum anderen.

Was reizt Sie am Gesang? Was ist das Schönste an der Arbeit mit der menschlichen Stimme?

Singen ist die persönlichste und unmittelbarste Art, Musik zu machen. Der eigene Körper, die eigene Stimme ist das Instrument. Außerdem ermöglicht uns die Auseinandersetzung mit den vertonten Texten eine andere inhaltliche und emotionale Identifikation. Wo sonst kann man unmittelbar einen solchen Kontakt zum Publikum erzielen. Da besitzt man auf der Bühne und auf dem Podium schon ein besonderes Privileg.

Ist es für Nachwuchssänger heutzutage nicht ungeheuer schwer, sich angesichts der großen Anzahl an Sängern „auf dem Markt“ durchzusetzen? Bilden Musikhochschulen nicht zu viele Sänger aus?

Diesem Vorwurf wird sich eine Musikhochschule immer aussetzen müssen. Zum einen aber stehen mehreren hundert Bewerbern bereits heute nur ca. 10-15 Studienplätzen pro Hochschule und Jahr gegenüber. Das Interesse an einem Studienplatz wird also nicht geringer und nur ein Bruchteil derer, die sich bewerben, bekommt überhaupt einen Studienplatz. Zum anderen ist der Sängerberuf seit Jahren einem großen Wandel ausgesetzt; die Einsatzmöglichkeiten sind deutlich vielfältiger und „der Markt“ ist damit größer geworden.

Inwiefern hat sich der Beruf des Sängers in den letzten Jahren gewandelt?

Der Sängerberuf ist seit Jahren einem großen Wandel ausgesetzt. Die noch vor 20-30 Jahren übliche Möglichkeit, durch ein Theaterengagement ein lebenslanges anständiges Gehalt zu erhalten, ist faktisch fast nicht mehr existent. Dennoch herrscht an den Hochschulen immer noch das Berufsbild des Theatersängers vor. Es ist sogar so, dass eigentlich nur der Sänger oder die Sängerin es wirklich geschafft hat, wenn er – oder sie – eines der seltenen Theaterengagements ergattern konnte. Dass diese Engagement-Laufbahnen in der heutigen Zeit auch eher kurzlebig sind, steht da auf einem anderen Blatt.

Wir müssen akzeptieren, lernen und vor allem auch in der Ausbildung verankern, dass der Sängerberuf heute aus ganz vielen sich ergänzenden Möglichkeiten besteht und diesen Wandel vor allem auch als Chance begreifen! Die Normalität sieht so aus, dass Sänger heute von einem Patchwork aus Engagements leben. Dazu gehören Theaterengagements, Chor- und Ensembleprojekte, solistische Konzerte ebenso wie private Unterrichtstätigkeit oder Stimmbildungsaufgaben.

Und diese Vielschichtigkeit der Tätigkeiten und Möglichkeiten wird sich eher noch erweitern. Es wird immer und zum Glück zahlreiche Sänger geben, die sehr gut und in tollen Engagements von ihrem Beruf leben können. Aber wir müssen aus unseren Köpfen herausbekommen, dass alle anderen Formen der Berufsausübung als die des Opernengagements „Scheitern“ betrachtet werden. Im europäischen Ausland, wo man nebenbei auch die deutsche Eigenart der Stadttheater in dieser Form nicht kennt, ist man in dieser Hinsicht schon deutlich weiter.

Was empfehlen Sie einem jungen Sänger für seine berufliche Laufbahn? Wie findet er einen gelungenen Start in die Karriere?

Man sollte offen sein für das, was auf einen zukommt und vor allem für Neues, das man sich zunächst vielleicht noch gar nicht vorstellen kann. Kontakte knüpfen, gute Vorbereitung, realistische Einschätzung der eigenen Begabungen und Stärken. Dazu muss man sich bewusst sein, dass man einen künstlerischen Beruf ausübt. Es geht um Kunst, um Musik, darum, auf der Bühne eine Figur lebendig werden zu lassen. Alles Technische hilft uns dabei, ist aber kein Selbstzweck.

Worauf legen Sie beim Unterrichten an der Hochschule am meisten Wert? Gibt es typische Probleme oder Fehler, die Ihre Schüler besonders häufig haben beziehungsweise machen?

Basis ist natürlich immer der sichere technische Umgang mit der eigenen Stimme. Am liebsten möchte man natürlich schon am Beginn des Studiums alle Lieblingslieder und -arien singen, die man von seinen Lieblingssängern auf CD hat. Da muss man als Lehrer schon mal auf die Bremse treten und der Stimme Zeit geben, damit sich keine technischen Baustellen einschleichen, die man später mühsam ausbügeln muss, oder die Stimme zu früh zu großer Belastung ausgesetzt ist.

Ganz besonders wichtig ist mir aber von Beginn an die Frage, was singe ich da eigentlich? Worum geht es? Meine ich es ehrlich mit dem was ich singe? Diese Frage ist für mich unmittelbar mit der technischen Ausbildung verbunden und lässt sich auch nicht davon trennen. Es ist im Unterricht interessant, dass sich viele Erklärungen erübrigen, wenn der Studierende genau weiß und sich vornimmt, wirklich bewusst musikalisch und inhaltlich das auszusagen, was Musik und Text beinhalten. Da steckt einfach eine ganze Menge Natürlichkeit im Zugang zu unserer Stimme. Den gilt es freizulegen und zuzulassen.

Was muss ein professioneller Sänger heutzutage können? Nur schön singen alleine reicht vermutlich nicht?

Ganz bestimmt nicht. Auch wenn es nicht schadet, wenn man auch eine schöne Stimme hat! Ich denke es kommt wie zu allen Zeiten wirklich auf die Persönlichkeit an. Wir kennen alle diese Fälle, wenn man eine unglaublich schöne Stimme hört und trotzdem nicht berührt wird. Umgekehrt packen uns manche Bühnencharaktere, deren Stimme man aber nicht unbedingt als schön bezeichnen würde. Das, was man hören möchte, ist ein ausbalanciertes Gesamtpaket aus Persönlichkeit, Stimme, Ehrlichkeit und Verantwortung für die Musik und die Partie, die man singt. Darüber hinaus haben sich die Anforderungen durch soziale Medien und ständig zugängliche Präsenz verändert.

Ein Sänger muss heute in den sozialen Medien präsent sein und sich verkaufen. Ich kenne nur wenige Sänger, die keine eigene Homepage haben, was auch die Aufgabe und die Bedeutung von Agenturen stark verändert hat. Man ist als Sänger vielleicht noch mehr Einzelkämpfer geworden und es geht alles viel schneller.

Was machen Sie am liebsten: Oper, Lied oder Oratorium?

Alle drei. Durch meine eigene künstlerische Biographie liegt mein Schwerpunkt natürlich im Bereich Lied und Oratorium. Und wenn ich mir ansehe, was ich selbst gerne höre, liegt in diesem Genre auch meine persönliche Vorliebe. Ich genieße es aber auch sehr, auf der Bühne zu stehen und lebe dort die Emotionalität einer Rolle im Zusammenspiel mit den Kollegen aus. Mit dem Ende des Studiums war ich ein Jahr im Opernstudio der Zürcher Oper, durfte am Haus eine Reihe kleiner Rollen singen und vor allem viele phantastische Sänger und Dirigenten aus der Nähe erleben. Dennoch war es nach dem Jahr auch eine bewusste Entscheidung, nicht in ein Festengagement zu gehen. Die Freiheit, die die Freiberuflichkeit bietet, alle drei Sparten bedienen zu können, hätte mir zu sehr gefehlt. Bei aller Unsicherheit, die damit verbunden ist.

Was reizt Sie an solchen spartenübergreifenden Projekten wie der schönen Magelone, die Sie zusammen mit dem Pianisten Hedayet Djeddikar und dem Schauspieler Hans Jürgen Schatz aufführen werden?

Das ist ein besonderes Projekt, von denen es leider viel zu wenige gibt. Vor allem auch in dem perfekten Ambiente der Cochemer Reichsburg, die im 19. Jahrhundert aus dem gleichen kulturellen Geist wiederaufgebaut wurde, aus dem heraus Tieck die Geschichte der „Schönen Magelone“ neu erzählt hat. Ich freue mich sehr auf die gemeinsame und ineinandergreifende Interpretation eines Werkes durch Rezitation und Musik. Auch denke ich, dass diese Konzertform für das Publikum sehr reizvoll ist und die Hemmschwelle senkt, einen Liederabend zu besuchen.

Sie sind stilistisch sehr breit aufgestellt, machen sowohl Alte als auch Neue Musik. Wird das von den Veranstaltern akzeptiert, oder suchen die nicht eher Spezialisten?

Das wird von den Veranstaltern durchaus akzeptiert und inzwischen sogar gewünscht. Die strenge Trennung der Stile löst sich meiner Erfahrung nach immer mehr auf. Die Erkenntnisse und Methodik der historischen Aufführungspraxis ist heute bis tief in die Romantik hinein einfach gängige Praxis. Und umgekehrt ist auch die Auseinandersetzung mit „Alter Musik“ in den Spezialensembles nicht mehr so dogmatisch wie zu Beginn der „Bewegung“, als es auch galt, sich erst einmal einen Platz in der Musikwelt zu erobern.

Verändert dieser stilistisch bunte Mix in irgendeiner Art und Weise ihre Interpretationen?

Ja und Nein. Grundsätzlich denke ich nicht in solchen Kategorien. Da kommen wir wieder zur ehrlichen Auseinandersetzung mit Musik und der Stimme. Dazu passt keine von außen aufgesetzte Stilistik. Allerdings ergeben die Umstände – ein Orchester bei Britten, Mendelssohn ist natürlich größer und lauter als Werke für Gambe und Laute – natürlich einen anderen Zugriff auf die eigene Stimme. Aber eigentlich geschieht das automatisch. Und aus diesen Umständen ändern sich dann Phrasierung und klangliche Parameter, da man sonst schlichtweg nicht zu hören ist.

Welche Lieblingswerke und -komponisten haben Sie? Welche Werke und Komponisten haben Sie besonders geprägt?

Bach natürlich! An erster Stelle und zu jeder Zeit. Und bei ihm vor allem seine Matthäuspassion, die für mich ein solitäres Meisterwerk ist. Ich bin aber auch ein großer Freund Mendelssohns. Ich kenne eigentlich keine „schönere“ Musik als die von Mendelssohn. Von den Motetten angefangen über die Instrumentalmusik bis hin zu den großen Oratorien kenne ich wenig, das auf so perfekte Weise Schönheit mit Tiefe und Emotionalität verbindet. Im Bereich Lied schätze ich neben den Klassikern Schubert, Schumann, Brahms aber auch ungemein die etwas unterschätzte der klassischen Moderne eines Frank Martin, Othmar Schoeck und ganz besonders Wolfgang Fortner, dessen moderne Tonsprache sich trotzdem mit einem leichten klanglichen Zugang für den Hörer verbindet.

Sie haben auch ein Examen für (nebenamtliche) Kirchenmusiker abgelegt. Spielen Sie heute noch irgendwo Orgel oder leiten einen Chor?

Leider fehlt mir dafür die Zeit, was ich sehr bedaure. Hin und wieder ergibt sich die Gelegenheit, einen Gottesdienst zu spielen. Was zumindest ich selbst sehr genieße. An der Kölner Hochschule konnte ich die Freude an der Chorleitung mit Gesangstudierenden ausleben und einmal im Jahr ein Werk einstudieren und dirigieren. Mein Ziel war es dabei, dass alle Mitwirkenden sowohl solistisch als auch chorisch gefordert werden. Ein Musizieren, das heute auch für alle Solisten bei renommierten Ensembles üblich ist. In den vergangenen Jahren konnte ich so Purcells King Arthur, Cavalieris Rappresentatione oder das wunderbare Membra Jesu nostri von Dieterich Buxtehude mit den Studierenden erarbeiten und aufführen.

Auf der Bühne leben Sänger mitunter ja auch gefährlich. Ist Ihnen dort schon mal was passiert?

Davon kann sicher jeder im wahrsten Sinne ein Lied singen. Eins meiner kuriosesten Erlebnisse war eine DVD-Produktion von Strauss‘ „Arabella“ mit Renée Fleming am Opernhaus Zürich, bei der ich die bedeutende Partie des Zimmerkellners übernehmen durfte. Nachdem ich meine drei Sätze halbwegs unfallfrei überlebt hatte, ging ich nach meinem Akt mit zum Verbeugen vor den Vorhang. Beim Zurückgehen hinter den Vorhang habe ich vor lauter Erleichterung die Bodenöffnung des Souffleurlochs übersehen und bin vor den laufenden Kameras in das Loch gefallen. Gnädigerweise stoppte die Aufnahme auf der DVD kurz vor dem Applaus.

Welche Rolle oder welches Werk würden Sie am liebsten einmal singen?

Nachdem ich im Mai mit dem War Requiem in der Essener Philharmonie ein Lieblingswerk singen durfte, fehlt mir auf dem Konzertpodium von meiner aktuellen Wunschliste noch das Verdi Requiem. Auf der Bühne gibt es natürlich immer mehr oder weniger realistische Traumpartien, die man gerne singen würde. Bei mir wären das Amfortas und Philipp in Don Carlos.

Was machen Sie, wenn Sie krank sind, bzw. was tun Sie im Vorfeld, um zu verhindern, dass es so weit kommt?

Zum Glück ist man als tiefe Männerstimme ein wenig robuster als andere Stimmfächer, da sich unser Stimmumfang in etwa mit unserer Sprechlage deckt. Dennoch ist die Erkältung auch unser natürlicher Feind. Ich treibe Sport und habe ein Nasenspray, das ich bei einer sich ankündigenden Erkältung nehme. Damit komme ich bisher sehr gut über die Runden. Ob es wirklich hilft oder ich es mir nur einbilde, ist da gar nicht so wichtig.

Ist es nicht eine ungeheure Belastung, sich immer so um sein eigenes Instrument sorgen und unter Umständen auf viele Dinge verzichten zu müssen?

Eine Belastung ist es schon. Aber das Singen und Spielen macht einfach so unglaublich viel Spaß und ist so facettenreich, dass es nie langweilig wird. Wir haben das Privileg mit unserer Stimme und unserem Spiel Menschen zu erreichen, Werke von unfassbarer Schönheit und Kunst aufführen zu können. Insofern lohnt sich fast jeder Verzicht und alle damit einhergehenden Belastungen.

Das Gespräch führte Guido Krawinkel.
Photo © Thilo Dahlmann, Marco Borggreve

WDR 3 TonArt am 27.7.2018

Traumgekrönt: Hommage à Rilke im Gespräch

WDR 3 TonArt | 27.07.2018 | 12:37 Min.

Im Bonner Liedsommer widmen sich Sopranistin Franziska Heinzen und Pianist Benjamin Mead den Vertonungen von Rilkes hochartifizieller Lyrik. Mit Oliver Cech sprechen sie über Liebes- und Todesbetrachtungen in Musik.

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Zum Konzert am 29.7.2018