Photo © Thilo Dahlmann, Marco Borggreve
“Singen ist die persönlichste und unmittelbarste Art, Musik zu machen.”
März 2018
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Mit Thilo Dahlmann sprach Guido Krawinkel
Herr Dahlmann, wann stand für Sie fest, dass Sie Gesang studieren wollen? War das ein direkter Weg oder gab es Umwege?
Es waren bei mir vor allem Umwege und die Entscheidung kam recht spät. Ich habe erst mit 24 Jahren mit dem Gesangsstudium an der Essener Folkwang-Hochschule begonnen und davor auch nur ein halbes Jahr Gesangsunterricht genommen. Eigentlich kam ich vom Klavier und der Orgel. Nach dem Abitur begann ich zunächst ein Jura-, Geschichts-, Politik-, Musikwissenschafts- und Romanistikstudium in Bonn. Also ein ziemlich großer Umweg, um den ich heute aber nicht traurig bin, und der mir in der künstlerischen und pädagogischen Arbeit zu Gute kommt.
Parallel zum Studium in Bonn begann ich beim Erzbistum Köln eine nebenberufliche Ausbildung zum Kirchenmusiker. Darüber bekam ich Kontakt zu meiner ersten Gesangslehrerin und die empfahl mir meinen ersten Lehrer an der Folkwang-Hochschule Essen. Und so kam am Ende eins zum anderen.
Was reizt Sie am Gesang? Was ist das Schönste an der Arbeit mit der menschlichen Stimme?
Singen ist die persönlichste und unmittelbarste Art, Musik zu machen. Der eigene Körper, die eigene Stimme ist das Instrument. Außerdem ermöglicht uns die Auseinandersetzung mit den vertonten Texten eine andere inhaltliche und emotionale Identifikation. Wo sonst kann man unmittelbar einen solchen Kontakt zum Publikum erzielen. Da besitzt man auf der Bühne und auf dem Podium schon ein besonderes Privileg.
Ist es für Nachwuchssänger*in heutzutage nicht ungeheuer schwer, sich angesichts der großen Anzahl an Sänger*innen „auf dem Markt“ durchzusetzen? Bilden Musikhochschulen nicht zu viele Sänger*innen aus?
Diesem Vorwurf wird sich eine Musikhochschule immer aussetzen müssen. Zum einen aber stehen mehreren hundert Bewerbern bereits heute nur ca. 10-15 Studienplätzen pro Hochschule und Jahr gegenüber. Das Interesse an einem Studienplatz wird also nicht geringer und nur ein Bruchteil derer, die sich bewerben, bekommt überhaupt einen Studienplatz. Zum anderen ist der Sängerberuf seit Jahren einem großen Wandel ausgesetzt; die Einsatzmöglichkeiten sind deutlich vielfältiger und „der Markt“ ist damit größer geworden.
Inwiefern hat sich der Beruf der/s Sänger*in in den letzten Jahren gewandelt?
Der Sängerberuf ist seit Jahren einem großen Wandel ausgesetzt. Die noch vor 20-30 Jahren übliche Möglichkeit, durch ein Theaterengagement ein lebenslanges anständiges Gehalt zu erhalten, ist faktisch fast nicht mehr existent. Dennoch herrscht an den Hochschulen immer noch das Berufsbild des Theatersängers vor. Es ist sogar so, dass eigentlich nur der Sänger oder die Sängerin es wirklich geschafft hat, wenn er – oder sie – eines der seltenen Theaterengagements ergattern konnte. Dass diese Engagement-Laufbahnen in der heutigen Zeit auch eher kurzlebig sind, steht da auf einem anderen Blatt.
Wir müssen akzeptieren, lernen und vor allem auch in der Ausbildung verankern, dass der Sängerberuf heute aus ganz vielen sich ergänzenden Möglichkeiten besteht und diesen Wandel vor allem auch als Chance begreifen! Die Normalität sieht so aus, dass Sänger heute von einem Patchwork aus Engagements leben. Dazu gehören Theaterengagements, Chor- und Ensembleprojekte, solistische Konzerte ebenso wie private Unterrichtstätigkeit oder Stimmbildungsaufgaben.
Und diese Vielschichtigkeit der Tätigkeiten und Möglichkeiten wird sich eher noch erweitern. Es wird immer und zum Glück zahlreiche Sänger geben, die sehr gut und in tollen Engagements von ihrem Beruf leben können. Aber wir müssen aus unseren Köpfen herausbekommen, dass alle anderen Formen der Berufsausübung als die des Opernengagements „Scheitern“ betrachtet werden. Im europäischen Ausland, wo man nebenbei auch die deutsche Eigenart der Stadttheater in dieser Form nicht kennt, ist man in dieser Hinsicht schon deutlich weiter.
Was empfehlen Sie jungen Sänger*innen für seine berufliche Laufbahn? Wie findet er einen gelungenen Start in die Karriere?
Man sollte offen sein für das, was auf einen zukommt und vor allem für Neues, das man sich zunächst vielleicht noch gar nicht vorstellen kann. Kontakte knüpfen, gute Vorbereitung, realistische Einschätzung der eigenen Begabungen und Stärken. Dazu muss man sich bewusst sein, dass man einen künstlerischen Beruf ausübt. Es geht um Kunst, um Musik, darum, auf der Bühne eine Figur lebendig werden zu lassen. Alles Technische hilft uns dabei, ist aber kein Selbstzweck.
Worauf legen Sie beim Unterrichten an der Hochschule am meisten Wert? Gibt es typische Probleme oder Fehler, die Ihre Schüler besonders häufig haben beziehungsweise machen?
Basis ist natürlich immer der sichere technische Umgang mit der eigenen Stimme. Am liebsten möchte man natürlich schon am Beginn des Studiums alle Lieblingslieder und -arien singen, die man von seinen Lieblingssängern auf CD hat. Da muss man als Lehrer schon mal auf die Bremse treten und der Stimme Zeit geben, damit sich keine technischen Baustellen einschleichen, die man später mühsam ausbügeln muss, oder die Stimme zu früh zu großer Belastung ausgesetzt ist.
Ganz besonders wichtig ist mir aber von Beginn an die Frage, was singe ich da eigentlich? Worum geht es? Meine ich es ehrlich mit dem was ich singe? Diese Frage ist für mich unmittelbar mit der technischen Ausbildung verbunden und lässt sich auch nicht davon trennen. Es ist im Unterricht interessant, dass sich viele Erklärungen erübrigen, wenn der Studierende genau weiß und sich vornimmt, wirklich bewusst musikalisch und inhaltlich das auszusagen, was Musik und Text beinhalten. Da steckt einfach eine ganze Menge Natürlichkeit im Zugang zu unserer Stimme. Den gilt es freizulegen und zuzulassen.
Was muss ein professioneller Sänger*in heutzutage können? Nur schön singen alleine reicht vermutlich nicht?
Ganz bestimmt nicht. Auch wenn es nicht schadet, wenn man auch eine schöne Stimme hat! Ich denke es kommt wie zu allen Zeiten wirklich auf die Persönlichkeit an. Wir kennen alle diese Fälle, wenn man eine unglaublich schöne Stimme hört und trotzdem nicht berührt wird. Umgekehrt packen uns manche Bühnencharaktere, deren Stimme man aber nicht unbedingt als schön bezeichnen würde. Das, was man hören möchte, ist ein ausbalanciertes Gesamtpaket aus Persönlichkeit, Stimme, Ehrlichkeit und Verantwortung für die Musik und die Partie, die man singt. Darüber hinaus haben sich die Anforderungen durch soziale Medien und ständig zugängliche Präsenz verändert.
Ein Sänger muss heute in den sozialen Medien präsent sein und sich verkaufen. Ich kenne nur wenige Sänger, die keine eigene Homepage haben, was auch die Aufgabe und die Bedeutung von Agenturen stark verändert hat. Man ist als Sänger vielleicht noch mehr Einzelkämpfer geworden und es geht alles viel schneller.
Was machen Sie am liebsten: Oper, Lied oder Oratorium?
Alle drei. Durch meine eigene künstlerische Biographie liegt mein Schwerpunkt natürlich im Bereich Lied und Oratorium. Und wenn ich mir ansehe, was ich selbst gerne höre, liegt in diesem Genre auch meine persönliche Vorliebe. Ich genieße es aber auch sehr, auf der Bühne zu stehen und lebe dort die Emotionalität einer Rolle im Zusammenspiel mit den Kollegen aus. Mit dem Ende des Studiums war ich ein Jahr im Opernstudio der Zürcher Oper, durfte am Haus eine Reihe kleiner Rollen singen und vor allem viele phantastische Sänger und Dirigenten aus der Nähe erleben. Dennoch war es nach dem Jahr auch eine bewusste Entscheidung, nicht in ein Festengagement zu gehen. Die Freiheit, die die Freiberuflichkeit bietet, alle drei Sparten bedienen zu können, hätte mir zu sehr gefehlt. Bei aller Unsicherheit, die damit verbunden ist.
Was reizt Sie an solchen spartenübergreifenden Projekten wie der schönen Magelone, die Sie zusammen mit dem Pianisten Hedayet Djeddikar und dem Schauspieler Hans Jürgen Schatz aufführen werden?
Das ist ein besonderes Projekt, von denen es leider viel zu wenige gibt. Vor allem auch in dem perfekten Ambiente der Cochemer Reichsburg, die im 19. Jahrhundert aus dem gleichen kulturellen Geist wiederaufgebaut wurde, aus dem heraus Tieck die Geschichte der „Schönen Magelone“ neu erzählt hat. Ich freue mich sehr auf die gemeinsame und ineinandergreifende Interpretation eines Werkes durch Rezitation und Musik. Auch denke ich, dass diese Konzertform für das Publikum sehr reizvoll ist und die Hemmschwelle senkt, einen Liederabend zu besuchen.
Sie sind stilistisch sehr breit aufgestellt, machen sowohl Alte als auch Neue Musik. Wird das von den Veranstaltern akzeptiert, oder suchen die nicht eher Spezialisten?
Das wird von den Veranstaltern durchaus akzeptiert und inzwischen sogar gewünscht. Die strenge Trennung der Stile löst sich meiner Erfahrung nach immer mehr auf. Die Erkenntnisse und Methodik der historischen Aufführungspraxis ist heute bis tief in die Romantik hinein einfach gängige Praxis. Und umgekehrt ist auch die Auseinandersetzung mit „Alter Musik“ in den Spezialensembles nicht mehr so dogmatisch wie zu Beginn der „Bewegung“, als es auch galt, sich erst einmal einen Platz in der Musikwelt zu erobern.
Verändert dieser stilistisch bunte Mix in irgendeiner Art und Weise ihre Interpretationen?
Ja und Nein. Grundsätzlich denke ich nicht in solchen Kategorien. Da kommen wir wieder zur ehrlichen Auseinandersetzung mit Musik und der Stimme. Dazu passt keine von außen aufgesetzte Stilistik. Allerdings ergeben die Umstände – ein Orchester bei Britten, Mendelssohn ist natürlich größer und lauter als Werke für Gambe und Laute – natürlich einen anderen Zugriff auf die eigene Stimme. Aber eigentlich geschieht das automatisch. Und aus diesen Umständen ändern sich dann Phrasierung und klangliche Parameter, da man sonst schlichtweg nicht zu hören ist.
Welche Lieblingswerke und -komponisten haben Sie? Welche Werke und Komponisten haben Sie besonders geprägt?
Bach natürlich! An erster Stelle und zu jeder Zeit. Und bei ihm vor allem seine Matthäuspassion, die für mich ein solitäres Meisterwerk ist. Ich bin aber auch ein großer Freund Mendelssohns. Ich kenne eigentlich keine „schönere“ Musik als die von Mendelssohn. Von den Motetten angefangen über die Instrumentalmusik bis hin zu den großen Oratorien kenne ich wenig, das auf so perfekte Weise Schönheit mit Tiefe und Emotionalität verbindet. Im Bereich Lied schätze ich neben den Klassikern Schubert, Schumann, Brahms aber auch ungemein die etwas unterschätzte der klassischen Moderne eines Frank Martin, Othmar Schoeck und ganz besonders Wolfgang Fortner, dessen moderne Tonsprache sich trotzdem mit einem leichten klanglichen Zugang für den Hörer verbindet.
Sie haben auch ein Examen für (nebenamtliche) Kirchenmusiker abgelegt. Spielen Sie heute noch irgendwo Orgel oder leiten einen Chor?
Leider fehlt mir dafür die Zeit, was ich sehr bedaure. Hin und wieder ergibt sich die Gelegenheit, einen Gottesdienst zu spielen. Was zumindest ich selbst sehr genieße. An der Kölner Hochschule konnte ich die Freude an der Chorleitung mit Gesangstudierenden ausleben und einmal im Jahr ein Werk einstudieren und dirigieren. Mein Ziel war es dabei, dass alle Mitwirkenden sowohl solistisch als auch chorisch gefordert werden. Ein Musizieren, das heute auch für alle Solisten bei renommierten Ensembles üblich ist. In den vergangenen Jahren konnte ich so Purcells King Arthur, Cavalieris Rappresentatione oder das wunderbare Membra Jesu nostri von Dieterich Buxtehude mit den Studierenden erarbeiten und aufführen.
Auf der Bühne leben Sänger*innen mitunter ja auch gefährlich. Ist Ihnen dort schon mal was passiert?
Davon kann sicher jeder im wahrsten Sinne ein Lied singen. Eins meiner kuriosesten Erlebnisse war eine DVD-Produktion von Strauss‘ „Arabella“ mit Renée Fleming am Opernhaus Zürich, bei der ich die bedeutende Partie des Zimmerkellners übernehmen durfte. Nachdem ich meine drei Sätze halbwegs unfallfrei überlebt hatte, ging ich nach meinem Akt mit zum Verbeugen vor den Vorhang. Beim Zurückgehen hinter den Vorhang habe ich vor lauter Erleichterung die Bodenöffnung des Souffleurlochs übersehen und bin vor den laufenden Kameras in das Loch gefallen. Gnädigerweise stoppte die Aufnahme auf der DVD kurz vor dem Applaus.
Welche Rolle oder welches Werk würden Sie am liebsten einmal singen?
Nachdem ich im Mai mit dem War Requiem in der Essener Philharmonie ein Lieblingswerk singen durfte, fehlt mir auf dem Konzertpodium von meiner aktuellen Wunschliste noch das Verdi Requiem. Auf der Bühne gibt es natürlich immer mehr oder weniger realistische Traumpartien, die man gerne singen würde. Bei mir wären das Amfortas und Philipp in Don Carlos.
Was machen Sie, wenn Sie krank sind, bzw. was tun Sie im Vorfeld, um zu verhindern, dass es so weit kommt?
Zum Glück ist man als tiefe Männerstimme ein wenig robuster als andere Stimmfächer, da sich unser Stimmumfang in etwa mit unserer Sprechlage deckt. Dennoch ist die Erkältung auch unser natürlicher Feind. Ich treibe Sport und habe ein Nasenspray, das ich bei einer sich ankündigenden Erkältung nehme. Damit komme ich bisher sehr gut über die Runden. Ob es wirklich hilft oder ich es mir nur einbilde, ist da gar nicht so wichtig.
Ist es nicht eine ungeheure Belastung, sich immer so um sein eigenes Instrument sorgen und unter Umständen auf viele Dinge verzichten zu müssen?
Eine Belastung ist es schon. Aber das Singen und Spielen macht einfach so unglaublich viel Spaß und ist so facettenreich, dass es nie langweilig wird. Wir haben das Privileg mit unserer Stimme und unserem Spiel Menschen zu erreichen, Werke von unfassbarer Schönheit und Kunst aufführen zu können. Insofern lohnt sich fast jeder Verzicht und alle damit einhergehenden Belastungen.